Incidencia de la ritualizacion en la percepción corporal del espacio

Jose David Moreno Vásquez

Estudiante de pregrado 

EAU, Escuela de Arquitectura y Urbanismo

La conexión del hombre con las divinidades ha sido, en toda la historia del ser humano un factor vital al momento de abordar el desarrollo de nuestras civilizaciones. La misma nos permite establecer y categorizar las distintas épocas y la evolución de las culturas, en torno al como se han construido espacios para en ellos desarrollar actividades de adoración, meditación, tributo a los hacedores de la vida, o la muerte.

Por lo tanto, se puede considerar que son estos espacios dedicados a la conexión con las divinidades, esenciales para reconocer la relación entre cuerpo y espacio pues, el cuerpo no es el mismo en un espacio convencional a un espacio sacro, es prioritario generar algún tipo de transición, que transforme el cuerpo y en esencia la percepción que tendrá el mismo en el espacio, que también contempla esta distinción. Un espacio convencional está lejos de acercarse a lo que representa un espacio sacro, así ocupen el mismo territorio visto a gran escala. Bajo tal concepción, en este breve escrito revisaremos cuáles son los aspectos que configuran el espacio sacro, desde su emplazamiento hasta la actividad que en el se realiza, que generan tal tipo de ritualizacion que permite que la percepción espacial del cuerpo sea completamente distinta a la que se tiene en un espacio convencional.

En cuanto al emplazamiento, debemos considerar los valores significativos que le da la civilización al espacio, debido al rito al rededor del mismo. Por ejemplo, la antigua civilización egipcia ubicó sus necrópolis, sectores dedicados a la construcción de las pirámides que albergarían a los faraones en sus tumbas, se encuentran en el costado oeste del río Nilo. Esto se debe a una decisión consagrada por la espiritualidad egipcia: el oeste, dónde muere el sol estaría dedicado a este mismo aspecto, el mundo de los muertos, y el este, por dónde nace el sol, sería el costado de la vida. Por lo tanto, para quienes quisieran atravesar el Niño de este a oeste, debían reconocer que estaban dejando el mundo de los vivos, y entrando al mundo de los muertos.

Piramides de Giza vistas desde el Rio Nilo. Tomado de https://co.pinterest.com/pin/352969689523683474/

Esta idea de muerte, vida, sagrado, no sagrado, se relaciona con aquello que se quisiese contener en el espacio, más allá de los límites corporales también el humano busca limitar la significancia que se le da a las cosas, el porcentaje entre espacio convencional - sacro siempre debe ser inequitativo, han de existir más espacios convencionales que sacros, en función de jerarquizar el valor de este último: su misma carencia, el hecho de que no sea habitual afecta de igual manera la percepción al rededor del mismo, envía un mensaje de importancia, el espacio al que se está por entrar no se encuentra en todo lugar y para llegar a el, el cuerpo debe someterse a un proceso de somatización del rito al rededor del mismo, de tal manera que una persona no egipcia, puede verse sometido subjetivamente por la visión de navegar el Nilo de este a Oeste, pues la narrativa al rededor de la muerte es estremecedora y será significativa en el momento en que embarque en el Oeste y sienta que se encuentra en el mundo de los muertos. Ritualizacion del emplazamiento.

 

Ahora bien, el ingreso al recinto. En la Catedral de Brasilia, del arquitecto Oscar Niemeyer, la misma configuración del proyecto no jerarquiza ningún punto en fachada dedicado al acceso, la forma hiperbólica del mismo no establece ningún punto para ingresar, se mantiene igual en los 360 grados, y para complementar esa forma dirigida al cielo, separa aún más el mundo natural del divino a través de un espejo de agua que rodea y encierra el recinto del mundo exterior, haciendo del acceso uno que requiere no solamente una aproximación y acceso, sino una complicada que exige rodear, merodear y entrometerse entre la localización para encontrar ese punto en el que se puede acceder. De tal manera que se accede por una amplia rampa rodeada de obras de arte evangélicas que hacen este proceso de darle a entender el cuerpo que está a punto de sumergirse, literalmente, en una experiencia que requiere el respeto y la disposición para tener una conexión más cercana con las divinidades, no lo hace a través de un plano recto con umbral, sino que obliga al cuerpo a molestarse e iniciar el descenso, casi que una alegoría a la intervención del basamento en función de estar lo mas unido a la tierra posible, para lograr una mayor conexión con el cielo, a la par de que se reúne y se encierra junto a los otros, para ejercer una adoración a las divinidades, Heidegger y su cuidado de la cuaternidad. Ritualización del acceso.

 

Catedral de Brasilia, Oscar Niemeyer (1970) Tomado de http://apuntesdearquitecturadigital.blogspot.com/2014/01/la-catedral-de-brasilia-arq-oscar.html

Finalmente, la ritualización del mismo espacio sacro. El manejo de la luz, la materialidad, y los ritos que se hacen en el, la organización del espacio y la jerarquización no solo de actividades sino de la misma relación dios-hombre, cuerpo material-divinidad. Desde el inicio de las civilizaciones es claro ver la forma en la que los monumentos, templos, catedrales y en general espacios sacros, tienden la monumentalidad, en forma alegórica de conseguir la suficiente altura posible para tocar el cielo. La Basílica de Santa María de la Salud en Venecia podemos ver en resumen, la forma en la que siempre se ha tendido a la monumentalidad, a la par de la búsqueda de que los espacios sagrados logren consagrar espacios de intimidad, en el caso de esta basílica se explora la forma, transgrediendo el concepto de centralidad, creando recorridos y permanencias alrededor del mismo. La ritualización empieza desde el acceso, donde se separa del nivel 0,00 obligando al cuerpo a esforzarse a subir una serie de escalones, en relación al esfuerzo que se debe hacer para conseguir entrar al espacio sacro, tal y como el sufrimiento que el cuerpo debe pasar para entrar al cielo. El espacio juega con las formas, las visuales internas, la luz y la forma en la que la misma incide en la percepción del espacio y por ende el cuerpo. Todos estos elementos llevan a que la relación cuerpo-espacio se vea gravemente influida por la ritualización y los elementos que ideológicamente la cultura añade a la significancia de los espacios que el hombre habitará.

Basilica de Santa Maria della Sallute, Baltasar Longhena (1687) https://www.ecured.cu/Bas%C3%ADlica_de_Santa_Maria_della_Salute

Relación entre Interior - Exterior, Espacio de transición en la arquitectura.

Karen Milena Villacorte Quenguan

EAU, Escuela de arquitectura y urbanismo

El objetivo de esta entrada es lograr abrir una reflexión sobre la relación interior-exterior en la arquitectura, el explorar, jugar con sus límites, sus encuentros en esa unión tan difícil de conseguir y que es determinante para la experiencia del usuario al momento de aproximarse desde un espacio al otro, relacionado con  nosotros mismos, nuestra alma y cuerpo, y nuestra piel como intersección, como encuentro de dos mundos que fluyen dispersos y se encuentran en este punto flexible donde chocan entre si y a la vez se mezclan.

La piel es esa capa superficial con dos caras o movimientos que es capaz de dar lugar a un interior y al desplegarse constituye un exterior, denominándose experiencia al conjunto de ambos movimientos, siendo así,  el elemento que se destaca para unir y separar. No podríamos ser sin piel, nuestros órganos se desvanecerían, una edificación sin piel solo seria una construcción con pilares. La envolvente es un límite que no se parece en nada ni a lo interior ni a lo exterior, pero toca a ambos lo cual hace que los separe configurando un todo, es la intermediaria entre interiores y exteriores unificados, cada vez más similares. Esta es una superficie coherente, sensata ante dos espacios que se fugan creando otros.

Suele ser mas común tener una piel más firme y transparente, más compleja y frágil, que intenta traspasar la barrera interior-exterior. En las edificaciones, las pieles se alejan cada vez más de lo que recubren. Tanto en el exterior como en el interior, donde los falsos cielos y suelos se alejan de sus soportes respectivos. Lo que implica una mayor distancia entre la estructura y nosotros, lo cual hace que estemos más alejados  de la estructura original, más aislados de la relación cielo-tierra, interior-exterior. 

De aquí se deduce la importancia de los límites para que surja la arquitectura, límites que comuniquen interior con exterior ya que somos seres que están en constante relación de nuestra interioridad con el entorno.

Antes se le daba una importancia al espacio interior como protagonista, sin embargo ahora pareciera que se confunde interior-exterior, volviéndose los límites difusos para una arquitectura dotada de un carácter flotante afín de responder a las necesidades de las comunicaciones y permitir cambios temporales en espacios donde se puedan llevar a cabo simultáneamente distintas actividades.

 Álvaro Siza resalta la importancia entre interior y exterior y en controlar estas relaciones, pues es donde residen los límites. Un gran ejemplo es su museo Ibere Camargo, situado en la periferia, pero que difunde una acción artística íntima; una confusión de formas que parecen invitar a un interior.  

Museo Fundación Iberê Camargo, Álvro Siza, 1998

Un ejemplo concreto es el arquitecto  Alvar Aalto quien se destaca por la articulación en espacios intermedios, principalmente porque ahí suceden múltiples acontecimientos, Aalto enlaza  los  diferentes elementos exteriores que se van situando en torno a la edificación, siempre de manera muy variada y atándose fuertemente a los condicionantes del lugar .Este espacio intermedio se analiza como un espacio de transición donde aparece la idea de umbral. Sus proyectos se  destacan porque no se está dentro o se está fuera, en realidad se está entrando o saliendo, se puede estar al interior con la sensación de estar fuera y viceversa; son transiciones donde se puede ir disfrutando de innumerables acontecimientos relacionados con compresiones y descompresiones del espacio.

En numerosos proyectos, Aalto apuesta por el espacio intermedio como corazón del proyecto. Pero, normalmente no es un espacio de carácter estático de contemplación,  sino que son lugares, en cierta forma bastante dinámicos. Son zonas donde el concepto de umbral se hace patente y  presente.

Ayuntamiento de Saynatsalo, Alvar Aalto, 1944.

El reflejo y su incidencia en el espacio.

UNIVERSIDAD NACIONAL DE COLOMBIA

Facultad de Artes

Escuela de Arquitectura y Urbanismo.

Teoría de la Arquitectura III - 2022-II.

Rubén Darío Albarrán Calderón.

Los materiales reflectantes cobran relevancia dentro de la arquitectura hacia el siglo XX, debido a los avances tecnológicos y la incorporación de este elemento en el arte. Pero puede encontrarse un antecedente más antiguo en el Barroco.

La idea del reflejo, visualmente hablando, es la duplicación de un elemento que se encuentra frente a una superficie con la capacidad de reflejar. Pero la primera idea o noción de espacio virtual, duplicando o prolongando la visual viene de la edad media con la técnica conocida como Trampantojo: esta técnica consiste en duplicar mediante la pintura el entorno mediante la perspectiva y las sombras buscando copiar la realidad para engañar al ojo humano. Como ejemplo se trae el Teatro Olímpico (1850) en Vicenza, de Andrea Palladio, donde se pintó un pasillo dentro del escenario recreando una calle al estilo clásico romano, que es un reflejo del exterior antiguo.

Ya entrando en el siglo XX, es donde empieza a aparecer con más frecuencia el arte con base en el reflejo. Para iniciar este periodo podemos hablar de Luis Barragán, quien utiliza 3 elementos reflectantes: una esfera metálica, una ventana, y un cuerpo de agua al interior. La esfera reflectiva se encuentra en la Casa Tacubaya (1947), específicamente en el “Cuarto del Cristo” de la segunda planta; y como plantea Heidegger, la esfera es una cosa que contiene el espacio. Además es interesante la idea de estar contenido por una geometría inusual, ya que los elementos reflectivos más comunes son los espejos planos; la esfera concentra, densifica en un punto el espacio que la contiene. En esta misma casa, Barragán diseña una ventana de proporción cuadrada y dividida en cuatro cristales que conecta el patio y la sala de estar; la ventana es translúcida pero tiene cierta reflectividad que proyecta el jardín sobre la sala, casi como si se posase la naturaleza al interior y dándole el carácter de natural al espacio. Finalmente, tenemos el cuerpo de agua en la Casa Gilardi (1976), que en realidad es una piscina con una puesta artística gracias a los tonos con que se pintan las paredes y la columna; en este cuerpo que refleja, lo impactante es la continuidad longitudinal de los elementos que se prolongan o parecen extenderse al infinito. Podrían relacionarse así los tres elementos que usa Barragán: esfera con contención, ventana con sobreposición, y agua con continuidad.

Siguiendo la línea temporal y cambiando de la arquitectura al arte contemporáneo, la artista que se trae para aportar al tema es Yayoi Kusama. La obra titulada “Infinity Mirrored Room” (1965), es una instalación que consta de espejos en piso y paredes, donde el suelo es ocupado con elementos irregulares curvos blancos con puntos rojos, donde la artista posa con un traje rojo y es tomada la fotografía. A diferencia de los ejemplos anteriores, esta instalación es un aula sin tapa que se refleja hasta donde alcanza la mirada, por esto se generan al menos dos niveles de contención: el primero generado al estar en medio de cuatro planos, y el segundo por la contención de la imagen virtual más allá del espejo. Aquí hay algo a resaltar, y es que la presencia de espejos enfrentados paralelamente genera múltiples imágenes de lo que reflejan, y es que en la imagen se notan varias Kusama, por lo que casi puede decirse que la artista es contenida múltiples veces a través de los reflejos. Esta relación espacial se asocia a la visión de Patocka donde la relación entre personas impacta el espacio, pero en la obra de Kusama esta noción de espacialidad está dada por la relación de uno mismo en el reflejo, y la repetición de un fragmento de espacio.

Pasando al siglo XXI, encontramos otro avance en la exploración espacial mediante elementos reflectantes con Olafur Eliasson, un artista Danés que trabaja con la luz, el agua y los espejos. Para la investigación se escoge la instalación Echo Activity (2018), donde Eliasson avanza en la exploración, aquí sigue enfrentando espejos al igual que Kusama, dándole la vuelta al efecto reflectivo colocando aros de colores dispersos en un cuarto a diferentes distancias de los espejos, pero de tal manera que los aros se encuentren dentro de la reflectividad del espejo ovalado, y a medida que se extienden en la profundidad del espacio virtual, estos empiezan a deformarse y a dejar de ser regulares. El espacio extendido deformado, es un nuevo efecto espacial, que emociona y provoca extrañeza al espectador. 

Finalmente, en el año 2022, se hicieron exploraciones espaciales con el concepto de “Inconmensurabilidad” en la asignatura Proyecto Vertical de Actividad, donde se trabajó también el reflejo para generar espacios infinitos en los modelos análogos. Un factor fundamental para generar modelos emocionantes fue la luz, para ello se tomó como referente el trabajo que realiza James Turrell en sus instalaciones, los “Ganzfelds”: cuartos donde se pierden las aristas y se siente un color o tono continuo, una atmósfera infinita. De estos análisis se construyeron los modelos utilizando espejos, luces led, y una lámpara inspirada en Turrell. Y resultaron en espacios con continuidad más allá del límite, que mediante la luz generan atmósferas espaciales, casi etéreas y emocionantes.

Como se puede observar, el reflejo en arquitectura y arte tiene varias aplicaciones, puede usarse con cuerpos de agua, espejos, o metales para extender visualmente el espacio, solo reflejar o incluso difuminar ciertos elementos. Estas exploraciones han evolucionado con el paso del tiempo y las nuevas tecnologías en materiales junto con la ciencia, aún hay campo para investigar este fenómeno. Este concepto de reflejo tiene algo en común en los ejemplos expuestos, permiten hacer consciente el cuerpo, provocando en el espectador que hay un “más allá” que lo ubica espacialmente, un “ultra” espacial, que trae consigo el reflejo, que emociona, y aporta al espacio arquitectónico.

Adolf Loos y la villa Müller

 

Adolf Loos y la villa Müller

Teoría de la Arquitectura III - 2022-2

UNIVERSIDAD NACIONAL DE COLOMBIA

Juan Esteban Molina Farfan

 

En el desarrollo de este texto hare una critica bajo mi criterio hacia el desarrollo explicado en clase que giraba alrededor de Adolf Loos y el desarrollo de la villa Müller y tratare de llegar a una respuesta objetiva a la pregunta ¿es erróneo o no el usar esta metodología para la elaboración de un proyecto?

 

En cuanto a la explicación del como se desarrolla la Villa Müller gira en torno a una elaboración individual de cada espacio tratando lo a las necesidades específicas del este como siguiente se hace un solo conjunto donde se usan distintos elementos como rampas, escaleras, pasillos, etc para generar la conexión de estos espacios y así poder generar el proyecto bajo mi criterio veo dos problemas principales en este desarrollo: 1. Las fachadas se ven como un producto de la unión de los espacios y no como una elaboración pensada 2. Los elementos conectores rampas, escaleras, pasillos, etc terminan siendo olvidados y desarrollados con menos rigurosidad comparado con el desarrollo del resto de espacios, esto me parece un error puesto que en el desarrollo de un proyecto cada parte de este es esencial puesto que, hablando específicamente de los dos problemas ya expuestos, la o las fachadas son la relación con el entorno urbano, con el paisaje cercano y lejano y si, esta no tiene una relación con estos dos puntos se vuelve un proyecto problemático con el entorno pues no hay una relación con el y en su caso interno, los recorridos en un proyecto deben ser complementarios al mismo y no ser producto  de los espacios unidos para generar un grupo puesto que en este caso se repite la historia, pues pasan a ser  controversiales con el entorno ya elaborado individualmente y para poder adaptarlo al entorno se tendría que hacer uso de artimañas para que como mínimo no se sientan como estar en un lugar ajeno al proyecto. Por estos motivos es mi discrepancia con esta manera de elaboración de un proyecto.

 

 viéndolo desde otro punto de vista se puede aludir a que esta forma de desarrollo le da un peso mayor a cada espacio y ayuda a que cada espacio genere una comodidad colosal al estar en él y que en cuanto adaptar un espacio para que concuerde con el proyecto y adaptar un espacio complementario al conjunto de espacios individuales es mas factible hacer la adaptación de los espacios complementarios ayudando así también a potenciar el impacto que tendrían los espacios principales del proyecto, teniendo en cuenta esto no se podría responder de una manera objetiva la pregunta que me planteaba al inicio puesto que la respuesta de esta pregunta en gran manera implica a la opinión subjetiva de cada persona y a su vez también responder esta pregunta implica las necesidades explicitas de cada proyecto individual pues cada proyecto tiene un entorno exterior y interior distinto teniendo en cuenta esto si tuviera que dar una respuesta concreta diría que si es erróneo o no el usar esta metodología para la elaboración de un proyecto depende de cada arquitecto y su criterio para la elaboración y concertación de dicho proyecto.

Lo magistral del color usado por Luis Barragán

 

Lo magistral del color usado por Luis Barragán

Teoría de la Arquitectura III - 2022-2

UNIVERSIDAD NACIONAL DE COLOMBIA

Juan Esteban Molina Farfan

 

El uso del color en la arquitectura ha sido controversial puesto que este cuando se implementa mal tiende a atraer más la atención de los observadores que el proyecto en sí, pero en el lado opuesto, cuando se logra un acertado uso de este se puede generar un proyecto de mayor impacto y relevancia haciendo que el observador no solo se fije en el color, sino que también se enfoque en el desarrollo del proyecto y pueda consciente o inconscientemente ver como el color es una guía en el proyecto. En este segundo caso es donde se pueden encontrar los proyectos de Luis Barragán y en este ensayo voy a tratar evidenciar el cómo y por qué los proyectos de este arquitecto son acertados en su implementación del color.

 

Barragán es un arquitecto originario de México nacido el 9 de marzo de 1902, Guadalajara, México y falleció el 22 de noviembre de 1988 a lo largo de su carrera realizo distintos proyectos, en particular voy a tratar 3 de sus obras: 1) la casa barragán 2) torres de satélite 3) Casa Gilardi pero para entender el porque el uso del color en estos proyectos es importante debemos entender algo de la teoría del color, La ciencia y el arte de la teoría del color se divide mediante una rueda o gráfico en tres categorías principales: primaria, secundaria y terciaria. El color es algo que percibimos a través de una combinación de longitudes de onda producidas por la forma en que la luz se refleja en un objeto.

pero ¿Qué tiene que ver esto? Con esta definición un poco tosca entendemos que el color tiene unas divisiones (primarios, secundarios, terciarios) gracias a estas divisiones podemos entender que hay un proceso para el surgimiento de cada color y que gracias a estas divisiones se pueden generar pasos de color sutiles como sucede en la casa barragán nada mas entrando hay un paso lento de un amarillo fuerte hacia un amarillo quemado hasta llegar al final con un tono pastel que invita a pasar sin robarse el protagonismo en este espacio.

 

 En un caso contrario en el uso de los colores primarios sin ningún tipo de lenta graduación de tonos, cuando estos se usan de manera tajante casi que de improvisto pueden llegar a generar que el observador desvíe su atención drásticamente y visualice el proyecto ya sea desde un muro cualquiera rojo o también de ventanas de un amarillo intenso en el caso de el proyecto “torres satélite” donde se pueden visualizar 5 torres de gran magnitud tres de ellas con los tres colores primarios (amarillo, azul y rojo) y dos de ellas con un color blanco la suma de estas torres de gran magnitud con el uso de colores llamativos al ojo hacen que un proyecto sencillo si se puede llamar así, pase a ser un referente en el uso del color.

 

 

 

Teniendo en cuenta esto se creería que el uso de estas dos metodologías juntas podrían ser un error y si, suponiendo que se haga de manera errónea pero en el caso de la Casa Gilardi no es así puesto que la implantación de estas técnicas se vuelven complementarias el ejemplo perfecto esta en la piscina puesto que el color del agua se mescla de manera sutil con el tono azul de la pared casi como si el agua recorriera también la pared pero a su vez tiene un muro rojo que atrae la atención del observador y ayuda a dar cuenta de como el agua esta recorriendo la pared y a su vez da un fin de este recorrido.

demostrando así como barragán logro dominar las distintas formas de usar el color en distintos proyectos con distintas necesidades y cumpliendo de manera ejemplar con las estas.

 

Vacío: el puente y la intersección en la Casa Tacubaya

UNIVERSIDAD NACIONAL DE COLOMBIA

Facultad de Artes

Escuela de Arquitectura y Urbanismo.

Teoría de la Arquitectura III - 2022-II.

Rubén Darío Albarrán Calderón.

La casa Tacubaya de Luis Barragán, si bien se ha relacionado con “Construir Habitar Pensar” del filósofo alemán Martin Heidegger y la construcción del espacio a través de capas (Punto, Ubicación, Sitio Lugar, Espacio), esta particular obra de Barragán también puede relacionarse a otras nociones de los autores estudiados en el curso. Como lo es el caso de Maurice Merleau Ponty, el cual puede aportar a la Visibilidad que condiciona el movimiento del cuerpo y a lo Universal del Espacio en esta casa.

El principal foco de atención para vincular a Merleau Ponty con la casa Tacubaya se encuentra en la intersección del espacio contemporáneo y el espacio arcaico, ya que es en este punto donde la visibilidad se hace fundamental para provocar el movimiento del cuerpo,  que a su vez permite proyectarse físicamente más allá de los muros. Como se puede ver en la figura 1, el rebaje de los muros del espacio de trabajo de Barragán crea vacío visual, y permite vincular la zona de trabajo conjunto, con la zona de trabajo personal, y la sala de estar gracias a una relación visual, a una Visibilidad que conecta los tres espacios. Podría decirse entonces, que el vacío prolonga la contención visual hasta el patio, es una cosa inmaterial que amarra, como lo hace Heidegger con la metáfora del puente. 

Para buscar complementar esta idea del puente vacío que conecta a través de la visual, se buscó explorar gráficamente una perspectiva en la figura 2, donde se corta la visual generando unos planos que prolongan los muros del espacio personal de Barragán. El resultado pone en evidencia la importancia del vacío que remata en el patio. 

El puente según Heidegger, es una cosa que amarra, que permite continuidad, y además permite relacionar dos extremos que, si bien poseían continuidad visual, no tenían continuidad transitable. Cuando el puente se posa sobre la grieta en el terreno en un punto, genera una ubicación, y luego un sitio; para el puente vacío, las condiciones son diferentes, ya que la propia arquitectura constituye un lugar, este puente vacío estaría en otra capa: en el espacio. El puente vacío se relaciona con lo universal de lo visual, tiene una espacialidad, ya que Merleau-Ponty argumenta que el cuerpo es una condición fundamental para percibir el espacio, pero el ojo es parte del cuerpo y por tanto este también es primordial para sentir lo que nos rodea. Es así que, el ojo es el sentido más relevante para Merleau-Ponty,  ya que direcciona el movimiento del cuerpo.

Figura 1: Continuidad de vacío Figura 2: Cerrando la visual

                Figura 3: Intersección en Barragán                  Figura 4: Antítesis visual

Otro tema de interés, son las intersecciones espaciales. Para los referentes arquitectónicos anteriores a la Casa Tacubaya, estas intersecciones no estaban presentes: la Casa Muller de Adolf Loos, y la Ville Savoye de Le Corbusier. Para el primer caso, la Casa Muller, las cajas espaciales o volúmenes están dilatados contundentemente entre unos y otros casi como un cubo Rubik, y cada espacio tiene su propia atmósfera. En el caso de Le Corbusier, las divisiones espaciales son más sutiles, prácticamente los espacios son yuxtapuestos, y las divisiones generadas casi como líneas virtuales dentro de un espacio: espacialidad con espacios.

En esta obra de Barragán se percibe una primera intersección espacial, puede considerarse sutil, pero es relevante hacerla evidente. Es mediante el vacío que los tres espacios se conectan, se sienten casi como uno solo. Podría concluirse, que el vacío es una estrategía proyectual que enriquece la casa Tacubaya, ya que produce un puente visual y una de las primeras intersecciones espaciales en la arquitectura.

Figura 5: Diferentes concepciones de espacios.

Como no se debe decorar en Arquitectura

UNIVERSIDAD NACIONAL DE COLOMBIA

ESCUELA DE ARQUITECTURA Y URBANISMO

Teoria de la Arquitectura III - 2022-2

Mario Fernando Ovalle Cañaveral

Hoy en día, el ornamento, en aquellas cosas que gracias a la evolución pueden privarse de él, significa fuerza de trabajo desperdiciada y material profanado.

Este ensayo busca ser un recordatorio para exponer  uno de los textos más importantes para la realidad cambiante de la arquitectura del siglo XX. Algunos usan líneas finas para mejorar el potencial de la sociedad, proteger la moralidad y la razón, y hablan de una revolución social en la arquitectura. En 1908, el genio austriaco Adolf Loos publicó Ornamento y crimen.

Hoy, más de 100 años después, parece que lo hemos olvidado, y Loos nos habla del daño que hacen a la sociedad los detalles decorativos y el “falso lujo” en la arquitectura, del agrado de muchos de los que alguna vez tuvieron poder con ellos. . El crimen desperdicia los medios de producción y daña la economía popular.

En 1908, Adolph Loos escribió "Ornamento y crimen", una dura crítica de la ornamentación cotidiana, y donde el arquitecto sugirió que en el futuro los humanos podrían deshacerse de este problema "Desafortunadamente, aún no ha sucedido".

Cualquier cosa que no funcione debe eliminarse del producto. Comprender cómo funciona algo y apreciar su verdadera belleza. Agregar algo "estetico" no solo aumenta el costo sino que también le quira el propósito.

Pero no se debe confundir "sin ornamentación" con "sin decoracion" . La decoración es intrincada y profunda, por lo que responde a la función y la necesidad, dirigiendo la luz y el espacio.

y esto me hacer pensar que cuando iba a la casa de una amigo, vi vigas de imitación de madera en el techo, puertas decoradas para parecerse frisos dóricos y tambien se puede encontrar vigas falsas solo para generar cierto "ambiente" a algun lugar.

“Hoy en día, el ornamento, en aquellas cosas que gracias a la evolución pueden privarse de él, significa fuerza de trabajo desperdiciada y material profanado. Si todos los objetos pudieran durar tanto desde el ángulo estético como desde el físico, el consumidor podría pagar un precio que posibilitara que el trabajador ganara más dinero y tuviera que trabajar menos.” 

Para ser honesto, no podría haber organizado mis pensamientos mucho mejor. Es una adición trivial e innecesaria que agrega costos sin ningun beneficios.

Creo que hay que tomar cualquier cosa que no funcione, hacerles entender cómo usarlos y luego hacerles saber cómo apreciar su verdadera belleza, esto para que su verdadero propósito no quede cubierto.

Viendolo desde un punto de vista mas global, la magia deja de manifestarse, porque la ornamentacion ya no pertenece a nuestra civilización. La ornamentación de la creación moderna se ha vuelto irrelevante para nosotros los humanos en el orden actual del mundo.

Las vigas de las casas antiguas que sostienen los techos que nos encierran y las columnas de las naves industriales son inherentemente bellas e inimitables. No tiene sentido tratar de replicar las emociones que evocan, donde no te conviene cuando las examinas conscientemente.

En cualquier caso, el hambre no debe confundirse con la inanición. El diseño interior es complejo y profundo, responde a la función y la necesidad, y guía la luz y el espacio. No se trata de vivir en una casa con paredes lisas y muebles mínimos, se trata de alejarse de la decoración liberal que esconde el deterioro físico en la belleza de las cosas.

La luz como deidad - Álvaro Siza

 Estudiante: Jana Delgado Enciso

Fecha: 15/12/22

Universidad Nacional de Colombia - Arquitectura y Urbanismo

En base a este escrito se busca realizar un análisis profundo de las ideas de múltiples autores en base a la forma en que estos interpretan los conceptos de la espacialidad y los límites designados por el horizonte, esto teniendo en cuenta sus proyectos y forma de expresión. Finalmente, con este análisis se dará a conocer una opinión sobre las temáticas tratadas.

Los arquitectos por lo general tienen el deseo de traspasar sus ideas a las personas con base en la arquitectura que diseñan, misma en la que se proponen formas de expresión como la morfología o materialidad, mismas en las que se pretende generar una óptima integración de conceptos opuestos como por ejemplo exterior, interior; luz, oscuridad, lo publico y lo privado, entre otros. Con lo anteriormente dicho es posible evidenciar una noción de dualidad característica del pensamiento de dichos autores.

La arquitectura tiene la capacidad de transmitir diversas sensaciones y sentimientos en los seres humanos, aquellas sensaciones son plasmadas de manera intencional por los arquitectos, los cuales logran ceder estas a sus obras a través de diferentes elementos como formas, colores o materiales en los proyectos. Asimismo, la arquitectura puede hacer referencia a lugares o ámbitos más cotidianos en los que las personas se pueden encontrar fácilmente, como una manera de integrar cosas del exterior dentro de sus espacios, ¿a qué me refiero con esto?

Abordando el tema en cuestión, la naturaleza es un tópico que encaja de forma magistral en la elaboración de obras arquitectónicas, y aunque ya se ha relacionado a Álvaro Siza y la naturaleza en sus obras, quisiera enfocarme más en el uso de la luz, ya que él no incluye únicamente la luz natural como uno de sus elementos principales, sino que lleva el uso de esta un paso más allá.

A mi manera de ver, la verdadera intención de Álvaro Siza con sus proyectos es hacer una especie de “culto” a la naturaleza, incorpora las características de esta, pero siempre procura respetarla, llevándola prácticamente al estatus de una deidad pura. Esto se puede ver claramente en el uso (o más bien, no uso) del color blanco, el cual se encuentra siempre presente, de igual manera, en la luz, ya que, a simple vista, realiza en toda ocasión un uso de la luz natural, permitiendo la entrada de esta por diversas partes del proyecto, ya sea por ventanas horizontales o luz cenital, o en su defecto, el uso de luz artificial indirecta por medio de elementos en el cielo raso, los cuales hacen que la luz toque las paredes laterales antes de llegar al espectador, dándole un aire más natural.

El mismo Álvaro Siza menciona que la arquitectura debe ir más allá de un diseño para habitar, que debe ser pensada para una libertad de los espacios, es decir, una autonomía que está disponible para cualquier actividad o función, y que dicha libertad significa belleza; esto nos reafirma la posición de la naturaleza como deidad que se debe respetar, en cuanto a que los espacios naturales tienden a ser abiertos y libres, disponibles a cualquier actividad, misma ideología de los proyectos del autor.

Otro tema que se trató en las clases fue el del horizonte, y yo pienso que para Álvaro Siza, el horizonte llega no hasta donde podamos ver desde el lugar en el que estamos, sino hasta donde la luz llega a tocar, porque, siguiendo la importancia de la luz en las obras, esta resulta ser la protagonista y se nota la intención de su ubicación o dirección.

El color en la arquitectura para generar emocion.

UNIVERSIDAD NACIONAL DE COLOMBIA

ESCUELA DE ARQUITECTURA Y URBANISMO

Teoria de la Arquitectura III - 2022-2

Mario Fernando Ovalle Cañaveral

"el color es un complemento de la arquitectura sirve para ensanchar o achicar un espacio"

El color en la arquitectura para generar emocion.

           Luis Barragan logró una sencillez a través de las líneasy planos y audacia en su colección de colores, el color se convirtió en la base de sus edificios "Barragan, pintor, arquitecto y paisajista" También, La manipulación de la luz. Otro aspecto importante de su diseño. Por eso, dota a sus edificios de dinamismo, emoción, conexión y creatividad y convierte sus edificios en puro arte. Apoyaba el uso de la luz natural muchos de sus trabajos demuestran que es posible crear una variedad de diseños entre la ligereza y el estilo. Para Barragan, la luz está directamente relacionada con la naturaleza y el estado de anime de las personas que habitan el espacio. El lugar es la principal característica de todas sus obras, pero sobre todo de sus residencias, que nos dejó un importante legado en muchas casas particulares.

El mismo Barragán dijo: “el color Es un complemento de la arquitectura sirve para ensanchar o achicar un espacio, también es Útil para Añadir ese toque de magia que necesita un sitio uso el color pero cuando diseño y no pienso en el comúnmente lo defino cuando el espacio está construido Entonces visitó el lugar constantemente a diferentes horas del día y comienzo a imaginar color a imaginar colores desde los más locos e increíbles” 

https://www.elledecor.com/es/arquitectura/g25721957/luis-barragan-arquitecto-mexico-proyectos/

En estos espacios al aire libre, las paredes son parte importante del movimiento moderno son planos y limpios pero Barragan les da volumen y dimensión, convirtiéndolos en expresiones a través de texturas de estuco, colores y juegos de luces y sombras.

https://www.archdaily.co/co/02-101641/clasicos-de-arquitectura-casa-estudio-luis-barragan-luis-barragan

Para descubrir estos asombrosos ejemplos de su diseño de una manera práctica y fotográfica, no hay mejor ejemplo que la casa del arquitecto en la Ciudad de México,la casa estudio de Luis Barragan, que se convirtió en un importante referente del nuevo movimiento. Fue convertida en museo y aun continúa con su autenticidad de cuando Barragan vivía alli, convirtiéndose en uno de los sitios más visitados de México.

Después de estudiar el color en la obra de Louis Paragon, uno se da cuenta de que está muy relacionado con la cultura de su país natal y fue influenciado por muchos arquitectos, artistas y amigos que convivieron con el artista y de alguna u otra manera influenciaron en su carrera y educación .

Fue entonces cuando me di cuenta de que las personas son una parte importante de su estudio. Su presencia hace posible su trabajo, porque sin ella los pensamientos de la casa ahora no tendrían sentido por la emoción de vivir y sentir el espacio en aquel sitio. 

           Aunque argumenté al principio del artículo que el color y la luz son los elementos principales de la belleza, me gustaría señalar, que no necesariamente esta sea la unica manera de generar emocion en las personas que van a estar en el sitio, tambien existen otras alternativas o intenciones que pueden aplicarse en el diseño para lograr impactar en las personas.

 LA NATURALEZA EN LA ARQUITECTURA

Daniel Fabian Hernandez Gonzalez 

Universidad Nacional de Colombia 

La naturaleza ha estado siempre presente, y como humanidad hemos estado ligados a esta, pero debemos pensar en que a pesar de que seamos parte de la naturaleza, nos tratamos de aislar de ella para nuestra seguridad, por los peligros que hay en el exterior y las adversidades tan grandes que hay en la naturaleza, sumado a nuestro instinto de supervivencia lo cual ha generado la búsqueda de poder aislarnos de esta. Al inicio buscando lugares que no estuvieran a la intemperie como cuevas, y al mismo tiempo buscábamos la manera de modificar esa naturaleza y ‘’humanizarla’’ para poder sentirnos seguros y cercanos. Entonces ¿tratamos de alejar la naturaleza de nosotros?, puede decirse de algún modo que si , pero al ser parte de ella, la vamos a necesitar de una forma u otra. Y muchas veces tratamos de incorporar la naturaleza a nosotros y modificarla como nos parezca pero deberíamos tener claro en que la naturaleza no nos obedece y que no debemos forzarla a favor de nosotros si no tratar de ‘’fluir’’ con ella.

La naturaleza muchas veces se vio como un peligro o como un límite para el avance como muchas veces se pensó en los tiempos de la revolución industrial en la que la naturaleza se veía como algo poco sofisticado y que no demostraba avance tecnológico por lo cual no se le tenía en cuenta para la elaboración de la arquitectura y de como se planeaba la ciudad.

Pero se tuvieron que dar los grandes problemas de sanidad y salud para empezar a entender de que dependemos de la naturaleza y todos sus elementos, en que debemos adaptarnos a ella y ella a nosotros. La luz del sol, el viento, las olas, los ríos, lagos y muchos más elementos son fundamentales no solo para la tierra sino también para nosotros, poco a poco fuimos entendiendo esto y empezamos a incluirla en nuestra vida cotidiana, en nuestras ciudades y hogares, y obviamente se incluyó a la arquitectura, empezando a entender a los elementos de la naturaleza como herramientas y ayudas para enriquecer la forma de hacer arquitectura.

Empezamos a querer dejar entrar a la naturaleza a la arquitectura y usándola a favor, empezando a usar la luz siendo una gran herramienta para poder llegar a diferentes intenciones en cómo interactúa y afecta la presencia o ausencia de luz. 

También podemos ver el como se planean diferentes tipos de estrategias para poder dar una sensación de que la naturaleza, como la luz como las plantas, el cielo y demás pueden entrar a la arquitectura y darle más riqueza un ejemplo es la villa Savoye de Le Corbusier en donde se trata de integrar o por lo menos generar la intención de querer combinar el proyecto con la naturaleza que lo rodea, se puede ver en la primera planta en donde se usa una secuencia de vidrios para que se de un reflejo de los árboles del alrededor y se genera una tensión como si adentro estuviera también la naturaleza, además de que en la planta superior hay unos vanos horizontales que pareciera que la estructura se abriera y dejara entrar la naturaleza.

También un ejemplo que interactúa aún más con la naturaleza y la usa como una herramienta y ayuda es Luis Barragan, ya que lo usa de una manera única partiendo del uso jardines que obviamente no están dispuestos de forma tradicional sino a diferentes niveles. Ponía como objetivo poner usar la naturaleza en su arquitectura y ser un elemento irrelevante en sus proyectos dando protagonismo a la manera en cómo integra la naturaleza y sus elementos en estos.

Es curioso como tratamos de aislarnos de la naturaleza usando la arquitectura como medio, pero también la hemos dejamos entrar y hemos aprendido a como modificar nuestra arquitectura para que conviva de mejor manera con la naturaleza, sinceramente me parece más bella una arquitectura que incluye la naturaleza que la acepta y la usa para beneficio en vez de aislarla y tratarla como un agente exterior y sin relación con nuestra humanidad. Poco a poco debemos mejorar aún más esa inclusión por el bien de la naturaleza y el de nosotros. para nuestra salud y la ecología del planeta, y esto empezará a ser un elemento a tener en cuenta en la arquitectura, al final de todo la naturaleza siempre ha estado con nosotros y no debemos alejarla si no incorporar en nuestra vida.